À la fin des années 1950, dans la ville de Cali, Ofelia Betancourt et Darío Arboleda commencent une activité professionnelle fondée sur l’interprétation des danses folkloriques de la Colombie (bambuco, cumbia, joropo, entre autres). En tant que travailleurs de l’entertainment, leur répertoire s’enrichit pendant une tournée sud-américaine (1959-1963) qui les amène en Équateur, au Pérou, en Argentine, en Uruguay et au Brésil.

Une réflexion épistémologique sur les formes sensibles d’écriture de la recherche à la croisée de l’art, du design, de l’anthropologie et de l’ergonomie, à partir de projets singuliers d’enquête-création.

Danses guerrières, macabres, modernes, urbaines : de la Préhistoire au XXIe siècle, c’est toute la richesse de l’histoire de la danse qui est ici traduite par le dessin.

This book offers a groundbreaking investigation into issues of gender, power and the representation of sovereignty in French Baroque court ballet – and in today's performances that recall them.

Mark Franko uses powerful interpretive tools derived from historiography and critical theory, especially the work of German-Jewish philosopher Walter Benjamin, to offer the reader both a historical and a theoretical interpretation of this genre of dance in France (c. 1615–1654), as well as its aftermath and legacy today.

This book sets out to search for the Second World - the (post)socialist context - in dance studies and examines the way it appears and reappears in today's globalized world. It traces hidden and invisibilized legacies over the span of one century, probing questions that can make viewers, artists, and scholars uncomfortable regarding dance histories, memories, circulations and production modes in and around the (post)socialist world. Our understanding of 'dance' is broad and inclusive.

Cet ouvrage est consacré à la danse cobra des femmes de la communauté kalbeliya, dans le Rajasthan, en Inde, une danse de plus en plus populaire qui a remplacé la pratique traditionnelle maintenant interdite des charmeurs de cobras. Parées d’atours inspirés des cobras et accompagnées sur scène de musiciens professionnels, les danseuses exécutent une gestuelle rappelant celle du dangereux reptile.

Les danses du temps – Recherches sur la notion de temps en danse contemporaine

Un questionnement philosophique et artistique sur la singularité de la notion de temps en danse contemporaine.

Comment faire vivre et renouveler un art de répertoire dit « classique » et souvent renvoyé, à ce titre, au passé ? Qui sont les chorégraphes qui créent des ballets aujourd’hui et comment se positionnent-ils sur une scène artistique valorisant avant tout la création contemporaine ? Pourquoi les femmes chorégraphes sont-elles si rares dans un domaine pourtant essentialisé comme féminin ?

Quel voyage propose l’expérience flamenco ? Quel serait ce corps flamenco à incarner ? Cheminant sur le fil des discours voulant faire « centre », « norme » dans le flamenco, la chercheuse ébrèche certaines vérités établies. L’étude jongle entre analyses esthétiques fines du corps-performeur et mise en lumière de soubassements socio-économiques exportés depuis l’Espagne, vecteurs de clichés, qui conditionnent la pensée d’un « flamenco carte postale ».

La danse se raconte souvent ainsi : du ballet de cour est né le ballet blanc, puis la danse moderne a libéré les corps. Et si d’autres récits étaient proposés, décentrés de l’Occident et de la scène ? Et si l’on interrogeait les narrations fléchées et les hiérarchies établies, pour une histoire décentrée de la danse ? 

La danse se raconte souvent ainsi : du ballet de cour est né le ballet blanc, puis la danse moderne a libéré les corps. Et si d’autres récits étaient proposés, décentrés de l’Occident et de la scène ? Et si l’on interrogeait les narrations fléchées et les hiérarchies établies, pour une histoire décentrée de la danse ? 

Préface : Mathilde Monnier. Postface : Simon Delétang. 
Contributions : Rémi Baert, Jonathan Châtel, Alix de Morant, Sylvain Diaz, Laura Fanouillet, Enzo Giacomazzi, Cathy Grouet, Célia Jésupret, Pierre Lesquelen, Axelle Locatelli, Christine Roquet, Kahena Sanaâ, Carolane Sanchez, Lucas Serol, Guillaume Sintès, Umut Ungan, Marie Urban.
La marche va-t-elle de soi ?
La question peut paraître incongrue. Pourtant, la marche ne revêt aucune évidence : elle est, à chaque instant, lutte contre la gravité qui nous entraîne vers le sol. Elle est d’autant moins évidente qu’elle est, par-delà sa physique, métaphorique, signalant le repli sur soi, le vagabondage, l’errance ou, au contraire, l’ouverture aux autres. Comment, dès lors, représenter la marche ? Si elle vaut pour tous les arts, cette question prend un sens particulier dans les arts vivants du fait de l’effectivité même de la marche. Elle est le mouvement zéro des corps qui se déplacent au plateau.
À partir de ressources empruntées à l’anthropologie, à l’his­toire, à la philosophie ou à la sociologie, il nous a semblé nécessaire de penser les pratiques de la marche des artistes d’aujourd’hui, chez qui la démarche confine souvent à la déroute. Dans les œuvres étudiées, la marche échappe à toute destination comme à toute signification pour mobiliser non seulement les interprètes mais aussi les spectateurs mus par ce qui se joue non pas face à eux, mais avec eux.
Conçus lors de la dernière crise sanitaire, les chapitres de cet ouvrage ont été écrits à un moment où la marche n’allait plus de soi. Sinon impossible, elle était restreinte et contrainte par les pouvoirs publics. Aussi avons-nous pensé ce livre comme une invitation au voyage à travers les représentations de la marche dans les arts vivants contemporains.